TEMA 1. EL ARTE: FUNCIÓN, TIPOLOGÍAS, TÉCNICAS Y CONSERVACIÓN.

Presentación Tema 1:

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TEMA 2. EL ARTE GRIEGO.

Aquí tenéis las presentaciones que hemos ido viendo y comentando en clase sobre la cultura clásica de Grecia.

la escultura griega

arquitectura-griega

arte griego

Los guiones de comentarios de arte están en la otra entrada de Hª del arte.

No olvidéis repasar el vocabulario específico de la arquitectura griega.

Aquí tenéis el comentario del grupo escultórico del Laocoonte y sus hijos:     laocoonte y sus hijos

TEMA 3. EL ARTE ROMANO.

Vamos a estudiar los tres periodos: la monarquía, la república y más en profundidad el Imperio, tendremos en cuenta los precedentes latinos, etruscos y la influencia griega.

Nos centramos en la arquitectura, ya que la escultura y la pintura quedarán subordinadas a la primera.

arte romano

el urbanismo y e larte romanos

                

Ejercicios de Síntesis, tenéis que hacer el 3 y el primero que aparece de los retratos romanos.

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ARTE PALEOCRISTIANO.

Contexto histórico del primer arte cristiano y arquitectura basilical. Iconografía y simbolismo.

arte paleocristiano

    

ARTE BIZANTINO.

Resumen arquitectura bizantina:            ARTE BIZANTINO

Video contexto histórico

Presentación arte bizantino:   arte-bizantino

Comentario de Santa Sofía:  SANTA SOFÍA DE CONSTANTINOPLA

 

ARTE ISLÁMICO.

Vocabulario básico de arte islámico:  vocabulario

Presentación: arte islamico arquitectura

Vídeo sobre la mezquita de Córdoba: 

*CONCEPTOS BÁSICOS PARA REPASAR:

Como parece que algunos conceptos no los tenéis demasiado claros os propongo que los repaséis, aquí los tenéis resumidos:

                           

                           

TEMA 5. ARTE PRERROMÁNICO.

Vídeo de introducción:

Presentación del prerrománico, principalmente arte visigodo y arte asturiano:

el prerrománico

Comentario prerrománico asturiano: Santa María del Naranco.

ARTE ROMÁNICO.

Presentación arte románico:  ARTE ROMÁNICO

Versión PDF de la presentación: ARTE ROMÁNICO

principales iglesias  ARTE ROMÁNICO

la-arquitectura-románica-española-

arquitectura-románica-española (versión pptx)

Versión PDF: arquitectura-románica-española-pdf

ARTE GÓTICO.

El arte gótico se corresponde con la Baja Edad Media, a continuación del románico. Es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales.
Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del área geográfica.
Hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

Fue un arte que se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos miniados y las diversas artes decorativas.

Arte Gótico. Las catedrales El término gótico fue empleado por primera vez por los adinerados del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (gótico deriva de godo) comparado con el arte clásico.A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes bastante diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es conocido por su oscuridad y recogimiento, el Gótico implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad y naturalismo.Presentación :  arte góticoPresentación pdf:arte gótico

ARTE RENACENTISTA.

El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.

La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)
En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes.

Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.

Presentación del Quattrocento:        el arte del quattrocento

PDF.   el arte del quattrocento

Indicaciones y apoyos para los comentarios:  resumen-quattrocento

Comentario de una obra de Masaccio:   El tributo de la moneda

Comentario de una obra de Masaccio:  La expulsión del paraíso

Comentario de una obra de Donatello:  David de Donatello

Comentario de una obra de Donatello:  condottiero Gattamelata

Comentario de arquitectura:  BASÍLICA DE SAN LORENZO

¿Cómo analizar un cuadro?

El Cinquecento en el renacimiento. El Cinquecento está dominado por Roma, y en menor medida por Venecia. Es la fecha en la que triunfan los Estados modernos, con una monarquía autoritaria que se apoya en la burguesía, en contra de la nobleza feudal. Los reyes y los papas serán los grandes mecenas.

Es en esta época cuando se fijan los modelos clásicos del Renacimiento. Se puede hablar de dos etapas, una clásica, hasta 1530 en la que predomina el sentido de la medida, la proporción y el equilibrio; y otra manierista en la que se rompe la escala humana. Es ahora cuando se fija el modelo antropocéntrico. Predominan las plantas centralizadas y los edificios que conservan la simetría. La figura más representativa de esta época es el Bramante (Donato di Pascuccio D’ Antonio). Él es el auténtico iniciador de la arquitectura del Cinquecento y el primer arquitecto de San Pedro del Vaticano. En los primeros tiempos construye la catedral de Pavía. En Roma el Bramante construye la iglesia de Santa María de la Paz, con una planta octogonal, San Pietro in Montorio, con una planta circular y el jardín de la Piña en el Vaticano. En su arquitectura encontramos el orden y la medida entre proporción de masa y vano. Rafael Sanzio, aunque más conocido como pintor, fue un importante arquitecto en Roma. Construyó los palacios de Vidoni en Roma y Pandolfini en Florencia, la capilla de los Chigi, y dirigió las obras de San Pedro del Vaticano. Otros arquitectos de la época son: Baldassere Peruzzi, que sucede a Rafael en San Pedro del Vaticano: villa de Farnesio, y Antonio Giamberti da Sangallo: palacio de Albisola.

Roma también domina durante el período manierista. El estilo se vuelve más refinado y efectista, rompiendo con los modelos clásicos al utilizar un orden gigante y alternar los elementos con cierta artifiocisidad. Miguel Ángel Buonarroti es uno de los grandes arquitectos del momento. Construye la cúpula de San Pedro del Vaticano, en la que encontramos la misma simbología que en la de Brunelleschi, en Florencia. Comienza a utilizar órdenes gigantes, y es el auténtico iniciador del manierismo. Giacomo Barozzi, el Vignola, es uno de los grandes arquitectos de la época. Sus edificios están poco ornamentados. Sin embargo, él es el campeón de la causa contrarreformista. Utilizó sobre todo el orden toscano en las columnas, con su fuste liso. Construye, el palacio Farnesio, San Luis de los Franceses y El Gesú que será un modelo para la estética del barroco. También intervino en San Pedro del Vaticano. Venecia pasa a ser el centro del arte, tras el saqueo de Roma en 1527. Aquí el arquitecto más genial y original fue Andrea Palladio. Escribe Cuatro libros de arquitectura, en el que plasma sus ideas, y será la obra fundamental de la formación de los futuros arquitectos. Está profundamente influida por la tradición romana y la estética manierista. Inventa el motivo paladiano (un arco entre dinteles) y usa el orden gigante, en el que las columnas abarcan más de un piso. Construye la basílica de Vicena, las villas Godi, Capra, Bárbaro y Malcontenta, la fachada de San Pietro del Castillo y la iglesia del Redentor en Venecia. Otros arquitectos son Giulio Romano: palacio del té en Mantua, Bartolomeo Ammanati: colegio de los jesuitas en Roma, Pirro Ligorio: casino de Paulo IV y Doménico Fontana: palacio de Letrán y Biblioteca Vaticana. En Venecia destacaron Sansovino: cúpula de San Marcos, la Casa de la Moneda, Biblioteca de San Marcos, y Vicenzo Scamozzi, ante todo un teórico que construye según el modelo de la Biblioteca de San Marcos.

la arquitectura del cinquecento

resumen renacimiento cinquecento arquit

Escultura del Cinquecento

No es posible hablar de escultura renacentista italiana sin nombrar a uno de los más grandes e importantes artistas de esta disciplina (y no sólo del momento) como es Miguel Ángel; la calidad de su trabajo y su capacidad para obtener “vida” del mármol no puede, incluso a día de hoy, por menos que causar una completa admiración.

En él es posible encontrar los distintos registros que se sucederán a lo largo de este s.XVI, desde aquellas obras iniciales donde se acatan todas las reglas clásicas hasta el manierismo terrible, por completo visionario, de sus “esculturas inacabadas” (ejemplo de las cuales puede citarse la Pietá Rondanini).

Moises de Miguel Ángel.  Escultura del Cinquecento

Grandes obras, convertidas en hitos de la historia del arte, van a ser esculturas como el David (tipología clásica, pero completamente novedosa en la forma de representación, en la que además son apreciables la enorme fuerza intrínseca de sus personajes, la monumentalidad y el perfecto conocimiento y ejecución de la anatomía característicos de la obra de Miguel Ángel), el Moisés concebido para el sepulcro del Papa Julio II o la maravillosa Pietá vaticana.

escultura miguel angel

resumen renacimiento cinquecento escultura

MOISES (MIGUEL ANGEL)

Pintura del Cinquecento

Dos grandes figuras vendrán a completar la lista de maestros renacentistas, aunque esta vez en lo que a pintura se refiere: Leonardo da Vinci y Rafael, el primero de los cuales será el prototipo absoluto de hombre del Renacimiento (pintor, escultor, inventor, etc.).

Las obras de Leonardo poseen un cierto misterio (empleará la técnica del sfumato para envolver sus representaciones de una especie de sugestivo velo difuminador) que las hace especialmente sugestivas, además de que su maestría técnica y el enorme conocimiento que posee del cuerpo humano le posibilitarán abarcar aquel registro de emociones que desee representar.

Gran observador de la naturaleza humana, el estudio psicológico realizado de sus personajes queda patente en retratos como el de la universalmente famosa Gioconda.

Cinquecento Italiano. Sagrada Familia de Rafael

Rafael, gustoso de modelos de una ingenuidad y belleza equilibrada en sus inicios, perfectos ejemplos del más puro clasicismo, sufrirá una evolución enorme en su pintura a partir de la asunción de diversas influencias, llegando incluso a rozar el Manierismo en sus últimas piezas.

Además, también será posible encontrar de nuevo la representación miguelangelesca en obras como los frescos de la Capilla Sixtina, además de una veneciana en las figuras de Giorgione, el maestro del color y las composiciones mitológicas Tiziano, el Veronés y el Tintoretto, sin olvidar a los manieristas Correggio y Parmigianino.

Pintura del Cinquecento "La disputa con los doctores en el templo" de Pablo Veronés

Miguel Ángel

renacimiento cinquecentto pintura miguel angel

Comentario David de Miguel Angel: El David de Miguel Ángel

MANIERISMO. “EL GRECO”

Renacimiento el greco

Comentario: EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ

 PAU.

En este documento os he preparado los exámenes de los últimos años en la prueba de selectividad en la Universidad de Alicante. Los dos primeros son de la prueba actual y los siguientes del modelo anterior. Espero os sea útil. 

Exámenes PAU.

¿QUÉ REPRESENTAN LOS OBJETOS EN PINTURA? SIMBOLISMO.

SIMBOLOGÍA DE OBJETOS EN PINTURA.

Versión PDF: SIMBOLOGÍA DE OBJETOS EN PINTURA.

ARTE BARROCO.

Arte Barroco

El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

Origen del Arte Barroco

Causas Político religiosas
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura.

También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas escandalosas.

Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos.

Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco.

Causas sociales y psicológicas

El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco.

En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se tratase. De hecho, se ha indicado con acierto que en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación teatral.

Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser espectacular.

Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es el juego de las sombras. En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes claroscuristas violentos. Esto es apreciable fácilmente en la pintura (por ejemplo el tenebrismo) pero también en la arquitectura, donde el arquitecto barroco juega con los volúmenes de manera abrupta con numerosos salientes para provocar acusados juegos de luces y sombras, como se puede apreciar, por ejemplo, en la Basílica del Pilar de Zaragoza.

El barroco contexto histórico.

Ahora vamos a ver algo de la arquitectura barroca:

La arquitectura barroca caracteristicas generales.

Le toca el turno a la escultura y en el barroco decir escultura es decir Bernini:

Bernini, escultor.

Comentarios: APOLO Y DAFNE

ÉXTASIS DE SANTA TERESA

Y por último, la pintura. Nos centramos en Rubens, Rembrant, Ribera y Velázquez:

Pintura barroca.

Comentarios: Las tres gracias

LA TRINIDAD

La lección de anatomía del Doctor Tulp

EL DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ

Los BORRACHOS

NEOCLASICISMO.

Entre los siglos XVIII y XIX se desarrolló una nueva sensibilidad que cambiaría la forma de concebir el arte que se había tenido durante el Barroco. La racionalidad y los modelos antiguos se unirían para dar lugar al arte neoclásico.

El Neoclasicismo es contemporáneo de la Ilustración, movimiento cultural con el que coincide en el tiempo. Además de la coincidencia cronológica, ambos movimientos compartirán algunos rasgos, como el racionalismo, pues el arte neoclásico parte de un estudio del pasado grecolatino en el que se inspira para llevar a cabo sus realizaciones.

Desde el punto de vista histórico, el Neoclasicismo está a caballo entre el Antiguo Régimen y el mundo liberal. Se instala, pues, en una época tremendamente agitada: compartió escenario con las guerras que en el siglo XVIII libraron las monarquías europeas por la hegemonía, con el nacimiento de Estados Unidos y con la Revolución Francesa y las guerras napoleónicas.

Políticamente el arte neoclásico se alinea con las fuerzas del cambio que destruyeron el Antiguo Régimen. Eso se puede afirmar porque, a pesar de su carácter racionalista y frío, fue el arte adoptado por las muy románticas y fogosas revoluciones americana y francesa.

Presentación:  neoclasicismo

Comentario: EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS

ROMANTICISMO.

LA PINTURA DEL SIGLO XIX: EL ROMANTICISMO.
El Romanticismo es hijo de un contexto histórico

La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.
El Romanticismo se opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas. Algunas causas como la guerra de la independencia griega gozan de un gran predicamento entre los románticos. Entre sus máximos exponentes se encuentran los franceses Géricault y Delacroix, los ingleses Constable y Turner, que anticipa el impresionismo, y el germano Friedrich.
Los términos “clásico” y “romántico” son utilizados como términos críticos al arte de cada época. A mediados del siglo XVIII, aparece una división entre lo clásico y lo romántico a partir de la obras de Burke y Winckelmann. Los clasicistas creían que el arte debía buscar la noble simplicidad y la sosegada grandeza. Los románticos, por el contrario, creían que el arte debe sustentar emociones. El término romántico tiene diferentes interpretaciones: peyorativas o laudatorias. El término se acuñó a finales del siglo XVIII para definir una nueva actitud artística que quería poner de relieve lo local y lo individual frente al universalismo, y lo emotivo frente a lo racional. Se propugna la experiencia y romper con el arte mimético y las copias.
Aunque los historiadores suelen separar los estilos, lo cierto es que el Romanticismo y el Clasicismo se combinan. El fin podría fijarse con el comienzo del Realismo, aunque resurgían con el Simbolismo.
El Romanticismo es un movimiento artístico y literario que apareció al final del siglo XVIII y principios del XIX, que dio fuerza, emoción, libertad e imaginación a la clásica corrección de las formas del arte, fue una rebelión contra las convenciones sociales. El siglo XIX es políticamente bastante comprometido se producen movimientos independentistas, se desarrolla el nacionalismo, la industrialización, el nacimiento de la burguesía. En el campo del arte se renueva la arquitectura con la aparición del hierro que ofrece nuevas posibilidades y surge la arquitectura utilitaria. También aparece la fotografía que pone de moda la realidad.

Eugêne Delacroix es el pintor romántico más importante del movimiento romántico.Es el prototipo de hombre romántico, bohemio, apasionado, seguro de sí mismo y partidario de la mancha de color en detrimento de la rígida preceptiva del dibujo. Abandona los colores terrosos y utiliza colores intensos, puros, luminosos, con contrastes violentos de color. Emplea el color con total libertad, de un modo arbitrario, sin ajustarse a la objetividad de la naturaleza. Sus pinceladas son sueltas y vibrantes que acrecientan la sensación de movimiento. Sus temas más comunes son los históricos, literarios, simbólicos y fantásticos. En los temas históricos se interesan tanto por los temas medievales como por los contemporáneos usando una gran libertad en los temas. Introduce los temas orientales en el romanticismo a partir de un viaje a Marruecos: le interesan estos temas no sólo por su iconografía sino por la luminosidad del colorido.

Otros grandes pintores románticos fueron el francés Theodore Gericault, el alemán Caspar David Friedrich, los británicos John Constable y William Turner y los españolesGenaro Pérez Villaamil, Antonio Mª Esquivel y Eugenio Lucas.

Presentación: Romanticismo

Comentario:  La libertad guiando al pueblo

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES.

Los 82 años de la vida de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) abarcan un amplio y trascendente espacio de la vida española. No ha habido ningún pintor en la historia de España tan comprometido con su tiempo, que dejara una visión tan mordaz y tan profunda. Y es que le tocó vivir dos épocas muy distintas, que casi coinciden con sus etapas vitales: la del optimismo de la Ilustración y la del pesimismo de la guerra y el oscurantismo. Hay un Goya sano, alegre y esperanzado que confía en la razón para cambiar el mundo en el que vive  y un Goya enfermo que se duele de la tragedia de la invasión napoleónica, el fracaso liberal y el enfrentamiento entre las dos Españas.

Breve esquema de sus etapas pictóricas y de su vida:

FORMACIÓN Y ETAPA ZARAGOZANA. 1760-1774.
ASCENSO SOCIAL EN MADRID. 1775-1793.
– LOS CARTONES PARA TAPICES.
– LOS RETRATOS Y EL ACADEMICISMO.                                                                              
– LA PRIMERA CRISIS DE SU SORDERA. 1793.
GOYA PRIMER PINTOR DEL REINO. 1793-1808.
– EL RETRATO OFICIAL.
– GOYA RETRATISTA DE LA SOCIEDAD ESPAÑOLA.
– EL GOYA ILUSTRADO Y CRÍTICO.
GOYA ATORMENTADO. 1808-1823.
– LA GUERRA DE LA INDEPENDENCIA.
– LAS PINTURAS NEGRAS. 1819-23.
– EL RETRATO OFICIAL PARA FERNANDO VII.
GOYA EN EL EXILIO FRANCÉS. 1823-1828.

IMPRESIONISMO Y POST-IMPRESIONISMO.

RUPTURA CON EL PASADO.

Contexto: El crecimiento capitalista y la industrialización desencadenan un desarrollo sin precedentes que transforman radicalmente a Europa. La concepción de la realidad cambia a un ritmo vertiginoso y todo esto afecta profundamente al arte. Los conceptos de espacio y tiempo se transforman, las comunicaciones son cada vez más rápidas, la fotografía permite ver cosas que el ojo humano no percibía. Ante este mundo cambiante, el arte pictórico de la segunda mitad del siglo XIX ofrece el camino del impresionismo que supone el origen del arte contemporáneo.

Durante el siglo XIX el medio por el que los artistas conseguían su aceptación era a través de los Salones o Exposiciones Nacionales. Para un pintor el no ser aceptado en un Salón suponía su marginación y su fracaso. La decisión de incluir o excluir las obras competía a los jurados formados por autoridades académicas, cuyos criterios se basaban en las tradiciones más conservadoras y se rechazaban las obras originales que suponían una ruptura con el arte oficial. En 1863 se organizó una exposición con las obras que el jurado no había admitido. A esta exposición se la llamó ” Salón de los rechazados”, (Salon des refusés) entre los pintores que no habían sido aceptados se encontraba Manet; para ellos era una forma de contestar el estancamiento de los salones oficiales, su falta de originalidad. Algunos años más tarde, en 1874, un grupo de pintores organizan la primera exposición impresionista: Monet, Renoir y Pissarro, entre otros. Había empezado la pintura moderna.
A modo de síntesis se pueden señalar las siguientes características técnicas y formales:
• Se utiliza el óleo sobre lienzo, principalmente, aunque también el pastel sobre papel.
• Nuevos temas: los impresionistas descubren que no existe el tema insignificante sino cuadros bien o mal resueltos. Hacen una recuperación de lo banal que favorece la atención a los problemas formales. Hay una marcada preferencia por los paisajes tanto rurales como urbanos; interesa la captación de lo fugaz- el agua, el humo, aire…-. Son paisajes reales, no compuestos, donde aparecen elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones,… También hay escenas intranscendentes, de ocio – bailes, tabernas-. Se renuncia los temas “importantes”, con mensaje; son la negación del tema.
• Nueva valoración de la luz. El color no existe, ni tampoco la forma; solo es real para el pintor la relación aire-luz. De este modo, la luz es el verdadero tema del cuadro y por esto repiten el mismo motivo a distintas horas del día. La calidad y la cantidad de luz (no la línea o el color) es la que nos ofrece una u otra configuración visual del objeto. Esto les obliga a pintar al aire libre y a emplear una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Los cuadros son muy luminosos y claros.
• El color está directamente relacionado con la luz. Utiliza colores claros, vivos y puros que se aplican de forma yuxtapuesta para que la mezcla se produzca en la retina: es lo que se llama mezcla óptica. Con este recurso se gana viveza cromática. Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias, ya que el color se hace más vigoroso acercándolo a su complementario (ej. el rojo y el verde se potencian mutuamente). El negro desaparece por considerar que no existe en la naturaleza por esto el sombreado no se realiza a la manera tradicional coloreando las sombras.
• Pincelada suelta, corta y rápida. Para traducir mejor las vibraciones de la atmósfera rehuyen cualquier retoque de las pinceladas y prefieren la mancha pastosa y gruesa. La línea desaparece y son la pincelada y el color los valores dominantes.
• El modelado al modo tradicional, con gradaciones de color y luz, no existe y con el tiempo se acabará disolviendo las formas y volúmenes en impactos luminosos y cromáticos.
• Pintura al aire libre. Esta proyección hacia los lugares abiertos viene impuesta por la temática pero más todavía por el deseo de ” limpiar de barro” los colores, de verlos y reproducirlos puros, y de hallar un correctivo a la composición demasiada mecánica, de pose, del estudio.
• Nueva valoración del espacio ilusorio. No hay interés por el espacio que finja profundidad, desaparece la concepción tradicional del cuadro como escaparate o ventana. Se pretende que sea algo vivo, un trozo de naturaleza, por lo que se huye de la perspectiva y la composición tradicional. En muchos cuadros lo llamativo es el encuadre que corta figuras y objetos como el objetivo de una cámara fotográfica.
Presentación:  Impresionismo.

FAUVISMO.

Orígenes y desarrollo (1905-1909)

El arte de Van Gogh se considera como una de las fuentes  del fauvismo y del expresionismo (por ejemplo El catorce de julio). La influencia de Gauguin en el nacimiento del fauvismo también es muy notable: El caballo blanco o El Cristo amarillo llaman la atención por el elemento que el pintor reconoce como primordial en su obras: el color. Mujeres de Tahití o Ta Matete perfilan ya algunas de las características técnicas del fauvismo: riqueza cromática, ausencia de modelado, ruptura con la perspectiva clásica… Es, pues, bajo la influencia de Van Gogh y Gauguin, como también de Manet y Cézanne, que se formaron los primeros fauves, sin olvidar, la parte que aportaron las estampas japonesas y las vidrieras  polícromas, dada la estima que tenían por estos objetos.

En el año 1898 Marquet y Matisse ya trabajaban juntos; por medio de Derain se establecería el contacto entre los máximos representantes del movimiento: Viaminck y Matisse (1901). Pero cuando su pintura produjo un fuerte impacto en la crítica fue en el Salón de Otoño de 1905. El crítico de arte Louis Vauxcelles dio el nombre de cage aux fauves (jaula de las fieras) a las obras que se exponían.

Pero ya hacia el año 1908 o el 1909, cada fauvista seguía su propio camino. ¿Por qué? Por agotamiento. Habían agotado hasta tal punto su ímpetu, su agresividad artística, que se vieron forzados a derivar hacia una manera más serena de ejercer su arte y hacia un cromatismo más contenido.

Estética y  formas

El fauvismo no es un movimiento teórico (como lo son, en cambio, el futurismo o el dadaismo): No tenían más catecismo que el que les dictaba su sensibilidad de artistas.

“Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, dirigido a todo aquél que trabaje con el cerebro, tanto al hombre de negocios como al artista de las letras, una cosa así como un lenitivo, un calmante cerebral como una cómoda butaca donde uno reposa después de la fatiga física” (Matisse)

Tienen una temática casi exclusivamente paisajística: continuando con el criterio impresionista de la pintura al aire libre, elaboran una obra en contacto directo con la naturaleza. Porque el fauvismo es, sobre todo, el producto de la libertad artística, de la ausencia de limitaciones. Liberados de los prejuicios de la anatomía, de la perspectiva convencional, de la proporción, los fauves construyeron su propia técnica

Técnica:

  • Simple, directa, concisa;
  • Uso de los colores puros, tal como salen del tubo;
  • Deseo de captar rápidamente la imagen forjada en la mente;
  • Dibujo simple, parecido a un arabesco; sin embargo, es, juntamente con el color, el elemento trascendental del cuadro;
  • A veces las figuras y los objetos llevan un contorno negro, delimitador, que suple la falta total de modelado;
  • Utiliza, pues, los perfiles y, así, consigue este efecto de monumentalidad y síntesis;
  • La fuerza del valor de sus cuadros está en la disposición de los elementos, en la composición de un conjunto expresivo y armónico;
  • Para los fauvistas, el cuadro es un espacio espiritual: no se trata de copiar el color y la luz, como habían hecho los impresionistas, sino de expresar la luz a través del color; teóricamente y prácticamente los fauvistas inician el camino hacia el arte abstracto.

Con la oposición entre La joie de vivre (1905-1906) de Matisse y Las señoritas de la calle Aviñón (1907) de Picasso muere el fauvismo y nace el cubismo.

Presentación:  FAUVISMO

PABLO PICASSO.

Entre las numerosas etapas de la pintura de Pablo Picasso encontramos la época azul (1900-1904), la época rosa (1905-1906) y el cubismo, un periodo que arranca en el año 1907 y finaliza en el año 1914.

El nacimiento del cubismo está profundamente marcado por el primitivismo. La influencia de las culturas primitivas quedaba reflejada en la pintura del artista malagueño al hacer uso de aquella simplicidad compositiva, del esquematismo, de las angulosidades y de los colores primarios. Ya mencionamos cómo la obra Las Señoritas de Avignon marca los orígenes del cubismo.

Junto a Georges BraquePicasso propuso en sus obras la fragmentación del espacio, es decir la descomposición en planos de su pintura; la representación en un mismo plano de imágenes de diferentes tiempos, es decir, la simultaneidad y lafusión de imágenes.

Entre las fases del cubismo encontramos: el cubismo analítico, de 1909 a 1910, fase que se caracteriza por el uso de una multiplicidad de planos que se cruzan entre ellos y el uso de la monocromía; el cubismo hermético, de 1910 a 1912, en el que se van abandonando los planos y solo se visualizan las líneas; y el cubismo sintético, de 1912 a 1914, donde aparece una suave policromía, una síntesis de los planos e introducción de palabras, letras y texturas dentro de la composición.

Presentación:  PABLO PICASSO

Comentario:  Las señoritas de Avignon

ARQUITECTURA DEL HIERRO Y EL CRISTAL.

arquitectura de la 2ª mitad del sXIX